Exhibición en museo de San Francisco inspirado en Wes Anderson


Mañana 30 de octubre se inaugura esta exhibición titulada ‘Bad Dads‘ (Papás malos) en la cual 60 artistas han trabajado inspirados en las películas de mi amado Wes Anderson.

Las pocas obras que ya podemos preview por internet, son increíbles. Captan de una manera poderosa lo que las películas de mi director preferido expresan, con una belleza cada una particular.





Probablemente suba luego algunas imágenes más. El trabajo me parece increíble. Es agradable saber que no soy la única loca a la cual Wes Anderson inspira tanto.

Top 10 ediciones Criterion, por Wes Anderson

Hace unos meses, Wes Anderson compartía con Criterion, su Top 10 de películas que tienen su edición Criterion. Pero no pudo elegir sólo 10, así que fueron 12. Y lo comparto con ustedes.

12. El ángel exterminador, de Luis Buñuel.
“He visto justo El ángel exterminador por la primera vez desde el VHS en la biblioteca de la Universidad de Texas. Es mi héroe. Mike Nichols dijo en el diario que piensa en Buñuel todo el día, en quien yo también creo”.

11. Mishima: A life in Chapters, de Paul Schrader.
“Qué gran DVD -y su comentario. Inmediatamente empecé la película otra vez y la vi de nuevo junto a Paul Schrader. Siempre ha sido una de mis favoritas suyas, junto a Blue Collar. Y Donald Richie otra vez”.

10. L’enfance Nue, de Maurice Pialat.
“Fui presentado a Pialat en primer lugar por su disco À nous amours. Deberían hacer cada una suya que llegue a sus manos”.

9. Classe Tous Risques, de Claude Sautet.
“Classe Tous Risques es muy buena. Soy un gran admirador de Claude Sautet, especialmente Un coeur en hiver. ¿Quién es nuestro Lino Ventura?”

8. The friends of Eddie Cole, de Peter Yates.

7. The Spy who came in from the Cold, de Martin Ritt.
“Nunca la había visto antes. Es genial, y la entrevista con John le Carré es conmovedora -especialmente su asentamiento, o más su admisión, al final en el que Martin Ritt hizo ‘algo parecido a un clásico’.”

6. The Taking of Power by Louis XIV, de Roberto Rossellini.
“Ésta es una maravillosa y muy extraña película. Nunca había escuchado de tal. El hombre que interpreta a Luis no puede dar una línea convincente leyendo, incluso a los oídos de alguien que no habla francés -y aún así es fascinante. Estaba en sus manos de principio a fin (lo cual es inesperado -Pensé que había al menos otra hora y medio hasta que ‘Fin’ aparece). Principalmente, no hace más que caminar entrando y saliendo de cuartos, vistiendo y desvistiéndose. ¡Quiero verla otra vez! ¿Qué significa realmente una buena actuación? ¿Quién es éste Tag Gallagher?”

5. Intentions of Murder, de Shohei Imamura.
Estamos en lo profundo de Shohei Imamur. Siempre me encantó Vengeance is Mine, la única que conocía, en un disco doble de Criterion. Pero ahora ésta me da otr perspectiva. Pighs and Battleships. La guerra no funciona exactamente de maravillas para la gente de Tokyo o donde fuera que estaba.

4. The Insect Woman, de Shohei Imamura.

3. Pigs and Battleship, de Shohei Imamura.

2. Au Hasard Balthazar, de Robert Bresson.
“Vimos Au Hasard Balthazar anoche y me encantó y también a Donald Richie. Odias ver a ese pobre burro morir. Tu corazón se va con él. Además, Mouchette es increíble, la cual vimos la semana pasada. Es una opción rara, por supuesto, poder pedirle a Jean Luc Godard que edite tu trailer”.

1. The Earrings of Madame de…, De Max Ophuls.
“Esta entrevista con Louis de Vilmorin en el dvd de Earrings of Madame de… es muy divertida. Ella es realmente hipnotizante y encantadora y diferente de cualquiera que hayas conocido -y luego empieza a hablar sobre la película. ¿La odió, en realidad? Max Ophuls hizo una película perfecta”.

Mi traducción siempre es pésima por eso pueden acceder a su fuente original en inglés aquí mismo.

Las mejores interpretaciones de Angelina Jolie

Ya conocen mi fanatismo/admiración/obsesión/amor por esta mujer. Pero seamos sinceros, no siempre ha trabajado en buenas películas. Pero ella es una mujer que le pone el cuerpo y alma a todo, por eso siempre vale la pena y por eso siempre voy corriendo al cine a ver su última película.

Pero si hablamos de sus mejores interpretaciones, pensé dedicarme a 3 de ellas. Pero a último momento, cambié de parecer y agregué una más. Un empate. Éste es mi Top 3.

3. Christine Collins & Marianne Pearl


En un principio sólo iba a elegir la película de Clint Eastwood, pero la de Michael Winterbotton tampoco tiene desperdicio. Los dos personajes que interpreta Angelina tienen algo/algunas cosas en común: ambas son mujeres muy fuertes que de repente pierden a una persona importantísima en sus vidas (un hijo o un marido padre del hijo que en pocos meses/semanas va a nacer) y que van a luchar a fondo y sin cansancio por recuperarlos. Las dos mujeres están basadas en historias verdaderas y es cierto que tanto en la vida como en la película, ninguna pudo recuperar a esa personita.


2. Gia Carangi
Me acabo de dar cuenta de que cada una de las interpretaciones que elegí de mi amada Angie, están basadas en personas de la vida real. Aquí Angelina Jolie es la top model Gia Carangi, que sumida en las drogas fallece joven de sida. Hermosa, sexy, lesbiana, Angelina nos regala probablemente las escenas más cautivantes de su cautivantes de su carrera. Gia es esa película adictiva que no podemos dejar de ver. Es esa película en la cual es imposible no enamorarse -porque Gia no es sólo sexualidad, su personaje tiene una ternura especial, por el amor que siente por Linda, y por lo frágil que parece-.


1. Lisa Rowe
Mi película preferida con Angelina. Girl, Interrupted iba a ser el gran regreso de Winona Ryder tras su problemas con las joyas que se robó y quedó registrado en el video de seguridad. Pero Angelina Jolie se apoderó de la atención. Tanto, que hasta se llevó el Oscar, apareciendo en la entrega de premios con un look muy a lo Morticia, y recibiendo la estatuilla diciendo que amaba a su hermano, James Haven, a quien le parte la boca de un beso, lo que alimentó muchos tabloides durante largo tiempo y todvía sigue siendo recordando.
Lisa Rowe, aún con su cabello anaranjado y un flequillo mal cortado, es aquella loca con la cual nos quisieramos quedar encerrados en un hospital psiquiátrico. Magnética, adictiva, peligrosa.

Películas que me cambiaron la vida

Hay películas que he disfrutado (y probablemente varias veces), que me han parecido buenas, interesantes, que me han gustado mucho e incluso me han encantado. Pero hay otro puñado que no sólo han cumplido con alguna de esas funciones anteriores, si no que simplemente me cambiaron la vida. Porque me hicieron verla de otro modo, o porque me ayudaron a decidir aquello de lo que todavía no estaba segura, o porque sí.


The Royal Tenenbaums
La familia. Ese karma que todos llevamos a cuestas. No son una palabra, son toda una oración. Esta película me llegó en el momento justo. Venía de momentos muy difíciles que no voy a mencionar y de repente me vi. Me vi a mí misma. Me vi en Margot, en su soledad, en su alejamiento, en sus ‘no ganas’. Me vi en Richie, en su amor imposible, en sus ganas de morir. Me vi en Chas, en su sensación de desplazamiento, en sus miedos. Me vi en Eli, en sus locas ganas de pertenecer. De repente, me volví una película, esta película.

En realidad, creo que fue Wes Anderson quien me cambió la vida.

(más tarde hoy o en la semana pongo más películas que me han cambiado la vida, iba a ponerlas todas juntas pero después me dedico mejor)

Películas sobre familias #10: The Life Aquatic With Steve Zissou

Sé que dije que no iba a poner más películas de Wes en esta lista rara de películas sobre familias que ni siquiera están en el orden preciso en el que las publico pero es que si hay tres películas de Wes Anderson, mi futuro marido, que retratan con genialidad, y varios recursos más, lo que son las familias disfuncionales, son éstas: The Royal Tenenbaums, The Darjeeling Limited y sí, The Life Aquatic With Steve Zissou.

Si hasta está la frase que para mí mejor lo define todo: “I hate parents. And I never wanted to become one“.

Para quienes no lo saben, la película protagonizada por un Bill Murray más brillante que nunca, es el primer largometraje que Wes Anderson no escribe con Owen Wilson (una pena, de aquí en adelante, hasta ahora no han vuelto a hacerlo), para hacerlo con, otro mencionado ya por estos pagos, Noah Baumbach. Una especie de parodia de Jacques Yves Cousteau (a quien Wes Anderson ya citaba en películas anteriores, más claramente en Rushmore con la frase suya que escribe en el libro). Una aventura.

You don’t know me, you don’t want to know me… I’m just a character in your stupid film.

Steve es un oceanógrafo que filma documentales junto a su muy singular equipo. Está casado con Eleanor, el cerebro del equipo, que poco después de empezada la película lo abandona. La película empieza con una conferencia de prensa en la cual Steve cuenta cuál va a ser su próxima expedición: ir en busca de un tiburón jaguar -como él lo bautiza- que se comió a su mejor amigo, para matarlo, por el simple hecho de vengarse. Pero entonces aparece Ned Plimpton, interpretado por el infaltable Owen Wilson, que le dice que podría llegar a ser su hijo.

No quiero contarles demasiado de la película porque sé que me voy a extender demasiado describiendo pequeños momentos, pero es que la película, que fue producida por Disney y un fracaso de taquilla, a mí me parece una genialidad.

No olvidar las canciones de David Bowie cantadas, interpretadas y traducidas al portugués por el mismísimo Seu Jorge (que interpreta a Pelé Dos Santos). A Cate Blanchett, como Jane Winslett-Richardson, la periodista embarazada de la cual nunca sabemos con exactitud de qué se está escapando. A Willem Dafoe como Klaus, en un personaje aniñado, divertido, celoso. En fin, el elenco que lo completa es de lujo, Michael Gambon, Jeff Goldblum, Noah Taylor. No olvidar tampoco las imágenes animadas de extrañas criaturas cortesía de Henry Selick.

El final, es perfecto. Si bien la película es una comedia, es más bien tragicómica. Hace llorar. A mí me hace llorar. Con la excepción de Fantastic Mr. Fox, Wes se ha vuelto cada vez más asiduo a mostrarnos escenas muy dramáticas. Y esta quizá esté en la cumbre de todas.

Películas sobre familias #9: The Kids Are All Right


“Mi familia”. Con ese título se ha estrenado en nuestro país la nueva película de Lisa Chodolenko. Protagonizada por las magníficas Julianne Moore y Annette Benning, además de Mia Wasikowska y Mark Ruffalo (¿hay una película en la que no esté bien?).

Una familia ‘poco convencional’. Así se la presenta. Claro, son dos mujeres, lesbianas (¿hace falta aclarar?), que decidieron formar su propia familia. Tienen dos hijos adolescentes que nacieron del esperma del mismo donante. Cuando la joven cumple su mayoría de edad, un poco presionada por su hermano, un poquito menor que ella, deciden conocer a este donante.

Y allí aparece en escena el divino de Mark Ruffalo. Un muchacho treintañero largo, con una huerta, una relación poco estable, tal como su vida. Se ve que no planeó mucho su vida, de hecho dejó los estudios y claro, no es el mejor ejemplo para sus hijos, sobretodo teniendo en cuenta que la joven Joni está camino a embarcarse en la Universidad.

Pero la pareja conformada por las actrices, bien podría parecerse demasiado a cualquier pareja casada. Por un lado, tenemos a la más rígida, la más dura con los hijos. Por el otro lado, la más sumisa, liberal, que vive a la sombra de la figura de Nic (Benning), quien es la que trabaja y “mantiene” a la familia. Por eso cuando aparece la figura de Paul (Ruffalo), y su ‘jardín’ -ella había estudiado paisajismo y está queriendo empezar con ese emprendimiento-, encuentra el lugar perfecto para ser ella misma. Sin embargo, y quizás sea esto lo que menos me convenció -la idea de que un tercer hombre arruine una pareja de lesbianas- de una película que me pareció entretenida y a grandes rasgos muy buena e interesante, entabla una relación paralela, más sexual que otra cosa con Paul. Hasta que Nic, cuando ya venía aceptando mejor a Paul, sobretodo después de conocer su devoción por Joni Mitchell (sí, de allí surge el nombre de su hija), descubre la infidelidad y el personaje de Paul casi desaparece tras unos intentos -vanos y estúpidos, muy de adolescente- de querer armar ‘algo serio’ con Jules (Moore). Pero ella ya no es adolescente, ella sabe muy bien lo que quiere. Sí, tuvo un desliz. Es cierto. Pero su familia está primero. Y si bien conviven, se separan. Y a Paul le hacen la cruz. Y se van despidiendo de su hija que se va a la Universidad. Y sin ser muy explícitos, sin contar mucho más, vemos unas manitos que acarician la pierna de la otra, una sonrisa.

No me odien porque creo que llené de spoilers el post.

Películas sobre familias #8: The Savages


Protagonizada por dos gigantes actores como lo son Philip Seymour Hoffman y Laura Linney, la película escrita y dirigida por Tamara Jenkins relata ese momento de la vida en que estamos a punto de perder definitivamente a nuestros padres, pero que en esa espera, hay que hacerse cargo de ellos, cuidarlos, intercambiando roles. Y como si fuera poco con el hecho de que estos hijos son ya adultos cuarentones que evitan asumir compromisos y tan frágiles emocionalmente como cuando eran chicos, el padre resultó ser el terror de su infancia, de quien estuvieron intentando recuperarse todo este tiempo.

El padre del cual no pueden, no quieren hacerse cargo. Por lo menos no con sus propias manos. Porque el personaje de Laura Linney se empeña en meterlo en una residencia más costosa, pero espaciosa y luminosa, mientras que Philip Seymour Hoffman sabe que sólo buscan esconder la realidad y hacerla más asimilable, sobretodo para los que se quedan.

Una película simple, donde una mirada o una sonrisita pueden decir más que lo que dicen las palabras.

Jon: Dad’s not the one that has a problem with the Valley View. There’s nothing wrong with Dad’s situation. Dad’s situation is fine. He’s never gonna adjust to it if we keep yanking him outta there. And, actually, this upward mobility fixation of yours, it’s counterproductive and, frankly, pretty selfish. Because it’s not about Dad, it’s about you and your guilt. That’s what these places prey upon.
Wendy: I happen to think it’s nicer here.
Jon: Of course you do, because you are the consumer they want to target. You are the guilty demographic. The landscaping, the neighborhoods of care; they’re not for the residents, they’re for the relatives. People like you and me who don’t want to admit to what’s really going on here.
Wendy: Which is what, Jon?
Jon: People are dying, Wendy! Right inside that beautiful building right now, it’s a fucking horror show! And all this wellness propaganda and the landscaping, it’s just there to obscure the miserable fact that people die! And death is gaseous and gruesome and it’s filled with shit and piss and rotten stink!

She was known for her extreme secrecy


Por culpa del blog de Mily Yorke (en quien creo encontré mi alma gemela) y uno de sus últimos posts, me quedé pensando y pensando en eso. ¿A qué personaje de película me parezco? Y es que en realidad hay varios. Pero hay uno que es el que mejor me define: Margot Tenenbaum. De hecho, tengo la teoría de que todo el mundo se parece a un personaje de esa película, especialmente de esa familia, pero bueno, no va al caso.

No soy adoptada. No estoy casada. No escribo obras de teatro. Intento escribir guiones.


La misma sensación de desolación, frustración y desgano por la vida. Una vida que nos prometió lo que nunca nos dio. Y entonces hay que escaparle de vez en cuando. Desaparecer, sin necesidad que nadie sepa qué pasó en el medio. Al fin y al cabo, “she was known for extreme secrecy”. La frase que mejor me define. Nadie me conoce en su totalidad. Y no pretendo que así fuera.

De todos modos, hay varios personajes más que encuentro cercanamente parecidos. Lee de Secretary, Mirabelle de Shopgirl, Enid de Ghost World. No todas mujeres, nada más. Un Andrew de Garden State o Rob Gordon de High Fidelity o Jack de The Darjeeling Limited podrían ser también. Pero anoche me di cuenta cuánto me estaba pareciendo a otro personaje con el cual me sentía identificada, aunque no sabía que tanto.

Why do you have to point out how stupid everybody is all the time?

Ayer salí con mi novio y me di cuenta que todo el tiempo estuve ‘perdida’, fuera de lugar. Y lo único que pensaba era eso, ‘qué estúpida es la gente’. ‘¿Qué hago yo acá?’. Arrastrada por mi novio y sus amigos que se reían, bromeaban, tomaban y yo miraba, deseando escapar.

Sofia Coppola abrirá Festival de Mar del Plata


La nueva película de Sofia Coppola, la ya mencionada un par de veces en este blog, Somewhere, será la encargada de abrir el Festival de Cine de Mar del Plata. Sí, acá, tan cerquita nuestros.

Tras cosechar bastantes buenas críticas y hasta el León de Oro en Venecia (con su ex, Quentin Tarantino como presidente del jurado), la película que se estrenará en los cines comerciales de Estados Unidos por diciembre, acá nos va a llegar antes en el festival costero, más precisamente el 13 de noviembre. Para los cines comerciales de este país, no hay fecha aún.

Así que yo intentaré realmente poder ir. No lo veo 100% seguro, ya que últimamente tengo mil gastos, pero estoy haciendo todo lo posible, y creo que sí, que voy a poder. No quiero ilusionarme tampoco porque va a ser fea la desilusión.

Si quieren saber más sobre el festival, no se los voy a decir, pero sí los puedo mandar a festivalmardelplata.blogspot.com.


Por cierto, ya que está, les cuento que Sofia Coppola fue una de las mujeres homenajeadas por la revista Elle. Junto a ella estuvieron otras como Gwyneth Paltrow, Diane Kruger, Kate Hudson, Diane Keaton y Hilary Swank. Ella lució en el evento un atuendo simple pero tan chic como siempre.

Wes Anderson y Roman Coppola dirigen publicidad de Stella Artois

No es nuevo para ninguno de los dos dirigir publicidades. Tampoco trabajar juntos.

En el primer comercial para la tv -un spot de 60 segundos que irrumpió en EEUU antes que en otros mercados, tales como UK y Argentina- un joven trae a una cita a su apartamento europeo tipo 60s, repleto con una consola que controla las luces, los aparatos y la televisión. Pero ella comienza a probar con los botones y el sistema y termina siendo tragada por su sofá y reemplazada con una recién servida Stella Artois. La chica lo llama por su nombre desde dentro del sofá, pero él piensa que es la cerveza hablando, a la cual le responde “Mon Amour!”.

El comercial cierra con la línea “She is a Thing of Beauty”, adoptado por la agencia independiente Mother, que reemplazó Interpblic Group of Cos.’ Lowe en el 2008 como la agencia creativa líder. El movimiento terminó una relación de 25 años entre Stella Artois y la agencia.

Mr. Socquet dijo que el argumento del comercial concebido por Mother y luego ejecutado por los directores, cuyo trabajo juntos incluye el film del 2007 The Darjeeling Limited”, “ellos trajeron el look y la sensación de los 60s, la visión del héroe y la mujer, el casting y el guardarropa”.

“Estábamos realmente felices de tener a Wes y Roman trabajando”, Gustavo Sousa, director creativo global de Mother, dijo. “Queríamos establecer esta marca y este film en un mundo fílmico francés de los 60s y hay mucha influencia del trabajo de Wes, también. Además, Roman es fanático de los gadgets. así que fue de verdad la mejor combinación de talento para dirigir este comercial”.

El Sr. Coppola ha pasado tiempo recientemente haciendo trabajo con comerciales, así como su reciente demo de iPad App para The New York magazine presentado por el actor Jason Schwartzman y un spot de una fragancia para Chloe con la modelo Raquel Zimmermann. Para el Sr. Anderson, es el primer comercial que ha hecho desde una serie que hizo en el 2007 para AT&T y su agencia, BBDO.

Fuente: adage.com (traducido muy mediocremente por mí)

 

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